Peintures à l’huile abstraites : les plus belles de 2019

Les peintures à l’huile abstraites ont tendance à avoir un design plus conceptuel et expressif. Par conséquent, les artistes peuvent exagérer ou simplifier les formes des figures par une série de coups de pinceau.

Regardez les 8 favoris des lecteurs qui ont voté dans le sondage que nous avons réalisé la semaine dernière :








Que vous soyez à la recherche d’une peinture à l’huile d’un artiste de renom ou d’un peintre romancier, ces œuvres d’art sont un ajout impressionnant à toute maison.


Supports pour peintures à l’huile

Traditionnellement, les peintures à l’huile abstraites étaient montées sur du lin. Cependant, en raison de leur coût de fabrication élevé, de plus en plus de peintures à l’huile abstraites modernes sont montées sur du coton avant d’être placées sur une structure de bois telle que les masques africains, également appelés cadres.

Certaines peintures à l’huile abstraites sont vendues sans le support, elles doivent donc être remontées sur un cadre avant d’être exposées.

Lors de l’assemblage, la peinture à l’huile est répartie sur les quatre coins du cadre.

En plus d’utiliser des cadres, les peintures à l’huile abstraites encadrées peuvent être présentées dans un cadre de verre.


Peint à la main ou à la giclée

Les peintures à l’huile abstraites peintes à la main sont de véritables œuvres d’art Ce sont des peintures uniques qui démontrent les imperfections de l’artiste.

En revanche, les giclées, ou reproductions numériques à haute résolution, sont des images créées avec une imprimante à jet d’encre six couleurs.

Ces images peintes à la machine peuvent être imprimées sur diverses surfaces, comme la toile, le papier aquarelle ou d’autres supports, et présentent généralement une image plus nette que l’œuvre originale.

Le choix entre les deux types est simplement une question de prédilection personnelle.


Étiré ou non étiré

Les peintures à l’huile abstraites étirées sont vendues prêtes à être exposées. Par contre, celles qui ne sont pas tendues doivent être montées sur du coton avec un cadre ou à l’intérieur d’un cadre avant d’être accrochées.

Bien que ces toiles finissent par nécessiter plus de travail, les collectionneurs d’art ont tendance à les préférer. Beaucoup de vendeurs préfèrent envoyer des peintures abstraites à l’huile sans étirement afin d’éviter d’endommager l’œuvre.


Comment s’y prendre ?

Dans mon voyage de découverte des techniques de la peinture abstraite, j’ai dû essayer certaines d’entre elles. Cela s’est avéré amusant et a donné lieu à de bons travaux.

Il faut se rappeler que les œuvres d’art abstrait n’ont pas de règles, mais je tiens compte de la longévité de l’œuvre et j’utilise des matériaux de la plus haute qualité pour que plusieurs générations de propriétaires puissent prendre plaisir à les contempler.

Même si je viens de dire qu’il n’y a pas de règles, cela ne veut pas dire que nous ne pouvons pas tricher un peu et tenir compte de certaines choses dans le développement de nos créations.

Voici une liste de choses à garder à l’esprit dans les techniques de peinture abstraite qui attireront l’attention sur notre prochain travail :

  • Nous devons maintenir l’harmonie de la couleur dans tout le travail. Pour ce faire, le mieux que nous puissions faire est d’apprendre la théorie de la couleur et de bien comprendre certains des concepts de base.
  • Nous devons toujours garder à l’esprit la composition. Une peinture avec une composition bien pensée sera un succès. Il faut donc penser en termes de tiers, de quintes, voire de rectangle d’or, de séquence de Fibonacci ou de modèle générique !
  • Profondeur. En effet, il peut y avoir un premier plan, un arrière-plan et un arrière-plan. Plus vous donnez de profondeur à une peinture, plus le spectateur explorera l’œuvre longtemps La meilleure chose à faire est donc d’utiliser les règles habituelles de la perspective atmosphérique pour créer la profondeur. Par conséquent, les objets au premier plan auront le contraste le plus élevé et la plus large gamme de couleurs. Plus on pénètre dans la peinture, plus la gamme chromatique est grise, moins intense et plus l’étendue chromatique est réduite. Et s’il y a des objets, ils deviendront aussi plus petits !


Techniques de peinture abstraite : créer une texture

J’ai commencé chaque pièce en me basant sur le mouvement. Je voulais exprimer un sentiment d’ondes qui entrent en collision les unes avec les autres dans un espace limité.

Donc, à l’aide d’un mélange de gesso et de pâte à modeler à 50 %, ainsi que d’une spatule, j’ai appliqué ce mélange sur la toile.

Puis, avec un pinceau très vieux et abîmé que j’ai utilisé pour peindre la maison, j’ai manipulé le mélange pour former la base de chaque peinture.

Étant une grande toile et utilisant un mélange blanc pour créer la forme et la texture, j’ai dû utiliser un grand projecteur placé près du bord de chaque tableau. De cette façon, le projecteur projetait une bonne ombre sur la texture pour montrer sa forme et son emplacement sur la toile.

Je laisse ensuite sécher le mélange de gesso et de pâte à modeler toute la nuit. C’est pourquoi le processus de peinture a commencé le lendemain. Comme je travaille avec de la peinture à l’huile, chaque étape nécessitait un certain temps de séchage.

J’ai utilisé des produits de séchage artistique appelés Liquin dans les mélanges pour les aider à sécher pendant la nuit.

Je suis aussi passé des ténèbres à la lumière. Avec chaque couche que j’appliquais, j’ajoutais de la peinture, puis je nettoyais les zones qui faisaient le plus saillie sur la toile.

J’ai utilisé une palette de couleurs de base à base de sienne grillée, de jaunes et de bleus clairs. J’ai aussi ajouté un peu de vert.

Bien sûr, au fur et à mesure que j’ai développé les œuvres, ils ont pris leur propre vie. J’ai appelé le premier “Déplacement Dimensionnel” car il représentait la fracture du temps entre les univers.

Pour distinguer le second univers qui a fait son chemin entre le premier, j’ai utilisé des rouges bordeaux foncés.

La deuxième œuvre avait des rebondissements qui se répétaient sur toute sa surface, c’est ainsi qu’est né “Splash of twists”.

La troisième me rappelait une nébuleuse, alors en y ajoutant quelques étoiles, j’avais créé “Nebula Eclipse”.

J’espère que ces idées aideront tous ceux qui veulent créer des œuvres abstraites texturées.


Voici quelques-unes des mesures que nous avons prises

Avant de nous mettre au travail, assurons-nous que nous sommes tous au bon endroit.

Il s’agit d’un guide principal sur la façon de peindre l’art abstrait.

Nous sauterons les bases de la technique du coup de pinceau, la théorie de la couleur, comment étirer une toile, quels types de lignes existent et comment les dessiner, ainsi que comment peindre des scènes de figures humaines, natures mortes, paysages, animaux, ou genres.

Nous ne traiterons pas non plus de questions telles que qui je suis, pourquoi je suis ici, pourquoi je fais de l’art, pourquoi je fais quelque chose, etc.

De plus, nous devrons avoir une compréhension de base de l’histoire de l’art, disons des peintures rupestres jusqu’à nos jours.

Eh bien, si nous sommes tous à l’aise d’aller de l’avant, commençons !


Première étape : Avoir du talent

Cela pourrait en décevoir certains. C’est une erreur courante que l’art abstrait est ce que font les artistes qui ne savent pas dessiner, qui n’ont pas de formation académique ou qui sont simplement spastiques.

C’est vrai, il y a beaucoup de gens sans formation et sans talent qui ont des comportements qui entraînent l’application de peinture sur des surfaces d’une manière qui génère des images méconnaissables.

Mais comme on pourrait appeler ça n’importe quoi d’autre, comme traîner, faire des choses dans le garage, ou ventiler, ce qu’on n’appelle pas cela “peindre de l’art abstrait”.

Être un artiste abstrait, c’est comme être avocat ou premier ministre. C’est une profession qui nécessite une formation Il faut y travailler à temps plein et faire preuve de dévouement. Abstrait ne signifie pas novice.

Prenons l’exemple de l’artiste géométrique abstrait d’origine canadienne John Monteith. Il a obtenu son diplôme de l’Ordre des arts et du design de l’Ontario en 1997. Puis, après près d’une décennie de travail, d’exposition et d’édition, il est retourné aux études et a obtenu une maîtrise en beaux-arts à la Parsons School of Design à New York en 2008.

Depuis lors, il a résidé en Allemagne et en Suisse, et a donné des conférences et exposé dans le monde entier. Pour réussir en tant que peintre abstrait, une combinaison d’éducation, de concentration, de persévérance et de compétence est nécessaire. En d’autres termes : le talent.


Deuxième étape : Avoir une intention

Cette étape peut aussi être une déception, mais oui, même les peintures abstraites naissent d’une idée.

Il est beaucoup plus amusant et moderne d’imaginer des artistes abstraits comme des créatures mystiques qui canalisent des forces cosmiques que même eux ne comprennent pas, et leur processus incompréhensible les conduit comme s’ils étaient des zombies sur la toile, où des pouvoirs inattendus les traversent sans leur contrôle, et que les tableaux qu’ils peignent sont ouverts à une interprétation tellement large que toute signification qui en est extraite est potentiellement valide.

Mais même un bref coup d’œil à l’histoire de l’art abstrait montre que c’est le contraire qui est vrai. Les premiers artistes abstraits, comme Wassily Kandinsky et Pablo Picasso, étaient guidés par un but.

Avec un dévouement scientifique, ils ont décomposé les peintures, isolant des éléments tels que la couleur, les lignes, les formes, les textures, la luminosité, le geste, la surface et le coup de pinceau.

Dans un premier temps, ils ont cherché des moyens d’utiliser ces composantes pour exprimer quelque chose d’universel, tout comme les compositeurs utilisent des éléments tels que le ton, le rythme, les mesures et la hauteur pour exprimer des idées abstraites universelles par la musique. Même les artistes mystiques abstraits, comme Hilma Klint, et surréalistes, comme Joan Miró, ont commencé avec des concepts et ont basé leur travail sur des idées.


Troisième étape : Être pertinent

Il est courant pour les artistes d’aujourd’hui de passer directement de l’institut à l’université, de l’université directement à l’école supérieure, et de là à la pratique professionnelle.

Quel genre d’art un jeune de 25 ans qui n’a jamais travaillé à temps plein, qui n’a jamais été entièrement responsable du paiement de ses factures, qui n’a jamais entretenu une maison, qui n’a jamais géré ses employés ou qui n’a jamais eu à composer avec les diverses complexités débilitantes de la lutte humaine moderne pour survivre ?

Pour être un professionnel et avoir une intention au travail, et pour être pertinent, il est nécessaire d’apprendre à connaître le reste des humains.

Voir le monde. Voyager. Lecture, Apprendre à cuisiner. Passez aux concentrations. Défendez quelque chose. Changez d’avis et défendez autre chose.

Apprenez ce qu’est la vie pour les 7 milliards d’autres personnes sur la planète qui pourraient rencontrer votre art.

Dans son curriculum vitae, la peintre abstraite néerlandaise José Heerkens énumère des tournées de formation dans près d’une douzaine de pays sur quatre continents.

Ces voyages l’informent directement de sa conscience de soi et de son vocabulaire visuel, ce qui donne lieu à un travail qui semble stratifié, moderne et global. Il faut comprendre que l’art abstrait n’a pas besoin d’être “sur quelque chose”, mais qu’il doit être fait par quelqu’un qui est “quelque chose”.


Quatrième étape : Avoir une opinion

Quiconque veut devenir un artiste abstrait professionnel devra finir par montrer son travail à quelqu’un. Les spectateurs se poseront des questions telles que : “Cette image est-elle symbolique d’autre chose, ou ne se réfère-t-elle qu’à elle-même ? ou cette peinture est-elle le résultat d’un obscurcissement intentionnel d’objets reconnaissables, d’une gestuelle intuitive et non figurative ? ou pourquoi pas le rouge, le bleu ?

Un artiste professionnel doit revendiquer ce qu’il fait. Il doit être sûr de lui et sincère.

Rien ne remplace la clarté intellectuelle. Vous n’avez pas besoin d’expliquer un travail, ni de dire ce qu’il signifie ou de quoi il s’agit.

Mais refuser d’expliquer l’intention, de rejeter les questions du spectateur ou de ne rien dire du tout est tout simplement égoïste et laisse les autres définir l’œuvre.


Cinquième étape : Avoir le contrôle

Quand le travail de Jackson Pollock a été critiqué pour être chaotique, la réponse de Pollock a été : “Pas de chaos, bon sang !

L’art n’est pas un accident. Les actes non intentionnels s’appellent des erreurs. Chaque marque qui se termine à la surface d’une peinture abstraite est le résultat des actions et des choix du peintre.

Même si un peintre prend la décision de prendre une peinture à l’extérieur sous la pluie, les filigranes qui en résultent sont le résultat d’un choix.

Et si le peintre n’est pas satisfait d’une marque, il peut la nettoyer, la recouvrir, la modifier ou détruire la peinture. C’est ce qu’on appelle l’édition.

Le peintre travaille, édite et travaille un peu plus, pourquoi se cacher derrière le mensonge des accidents dans une œuvre ?

L’abstraction n’est pas le chaos.

Il faut posséder chaque marque de chaque tableau. Si quelque chose se passe dans un travail qui n’a pas été consciemment planifié, il est nécessaire de le résoudre. Vous devez faire face à l’événement imprévu et décider si vous voulez le garder ou non.

Quelle que soit la décision prise, et quel que soit le résultat des travaux, ce sera le résultat du choix.


Sixième étape : Être ouvert

Cette étape peut sembler contradictoire, étant donné que les cinq étapes précédentes soulignaient l’importance d’avoir une intention, d’être conceptuel et de garder le contrôle. Nous ne disons pas d’oublier tout ça.

Nous disons juste d’ouvrir. Connectez-vous avec le subconscient.

Dans l’esprit de chacun, il y a quelque chose qui est universel à chaque membre de l’espèce humaine. Il est nécessaire de laisser les émotions guider le corps.

Peinture viscérale. Mettez des sentiments sur la toile.

Même si la peinture qui en résulte est intuitive, primaire, imprévisible et libre, les décisions continueront d’être prises.

Il continuera d’être édité. Et les décisions continueront d’être prises lorsque le tableau sera terminé.


Septième étape : être pur

Faisons du thé, regardons la tasse et disons à voix haute “c’est du thé”. Puis versons un peu de jus d’orange dans le thé, regardons à nouveau la tasse et posons-nous la question : “Qu’est-ce que c’est ?

Les artistes contemporains ont accès à toute l’histoire de l’art.

Ils sont libres d’explorer n’importe quel style et n’importe quel médium, et de mélanger les styles et les médiums pour trouver leur voix unique et satisfaire leur vision conceptuelle. Mais quand les styles se mélangent, que nous reste-t-il ?

Si vous peignez une image abstraite monochrome et que vous y collez un collage d’étoiles de la réalité télévisuelle, est-ce toujours abstrait ? Il contient des éléments d’abstraction, mais est-ce la même chose ?

La plupart d’entre nous seraient d’accord pour dire que peindre l’image d’une marguerite sur un champ de couleur Rothko est comme verser du jus d’orange sur un thé.

L’un d’eux finit par dire : “Qu’est-ce que c’est ?”. Appeler une peinture abstraite signifie quelque chose. Pour qu’elle conserve ce sens, la pureté est la clé.


Huitième étape : Faire preuve d’innovation

Récemment, nous avons entendu un peintre décrire le travail d’un autre peintre comme des “peintures représentant des peintures abstraites”.

Au-delà de l’humour de l’énoncé, il a fait valoir que nous sommes les bénéficiaires de plus d’un siècle d’art abstrait, et que les grands peintres abstraits du XXe siècle ont accompli beaucoup de choses !

Pour élever le niveau de ces grands artistes qui nous ont précédés, les peintres abstraits d’aujourd’hui doivent trouver des moyens de rendre leur travail nouveau.

Oui, tous les peintres doivent faire face à la nécessité d’occuper d’une manière ou d’une autre la surface d’un espace vide.

Et de toutes les exigences que nous avons imposées jusqu’à présent aux peintres abstraits, le défi supplémentaire d’occuper cet espace vide avec quelque chose de totalement nouveau pourrait sembler le plus écrasant.

Mais c’est la capacité d’exprimer quelque chose de nouveau et d’unique qui est le plus vital pour l’avenir de l’abstraction .

Suivre les sept autres étapes implique d’avoir du talent et de l’intention, d’être pertinent, d’avoir une opinion, de garder le contrôle, de rester ouvert et de lutter pour être pur.

Tu ne peux qu’être honnête et sincère avec toi-même.

Et l’expression honnête de soi ne peut mener à quelque chose qui n’est pas exclusif à soi-même et, par définition, nouveau.

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